能不能简单说明，绘画是受理性抑制的感情艺术？

绘画是感性的，也是理性的。说它是感性的因为它是画家感情的自然流露，说它是理性的因为它是画家思想意识的表达。

我们说，任何艺术的产生和发展都离不开它生长生存的时代背景和社会环境。艺术来源于生活。一方面，艺术作品表达了艺术家对生活的认识、感悟和理解，寄予了艺术家的情感，这是形象的感性的；一方面，艺术家又必须遵循社会公共法则和约定俗成的公序良俗，这是抽象的理性的。任何艺术作品都不能超越理性的范畴而任由感性随意发挥，都是感性和理性的统一体。

以西方人体油画来说。人体油画是油画的重要表现内容和形式。它通过画家精湛技法和高超的表现手法，不仅表现了人体的天然之美，而且刻画出人的灵魂和内心，表达了丰富的思想情感，传递着健康积极的人文精神，因此得到西方民众的普遍认可，成为西方的一种文化现象。

但是，人体油画不只是感性的具象绘画，也不是想怎么表现就怎么表现，它是有规则和范畴的，是有创作尺度的要求的，这就是绘画中的理性表现，也是对绘画的理性抑制。

法国十九世纪写实油画大师安格尔创作的人体油画《泉》，从50岁开始酝酿，但到他76岁时才脱笔完成。为什么用了这么长时间？我们知道，安格尔是一流的绘画大师，技法完全不是问题，感性层面的东西也不是问题。这其中有一个难点就是如何表现的问题。因为这是一幅表现一位少女正面全身站立的人体油画，在人物的表情动作背景等处理上必须严谨精细理性对待，差之毫厘，谬之千里。最后安格尔完成了这幅经典之作，成功塑造出一位美丽端庄纯净典雅的女性形象。这幅画被世界许多国家列为人体艺术教学的范本。

不论是绘画创作还是绘画欣赏，既需要理性也需要感情，两者缺一不可。可以这么说，创作和欣赏绘画，是戴着脚镣跳舞，在限制中寻求自由，在随心所欲中追求既定的规则，只有如此，创作出的绘画才能被大多数人看懂。

如果太感性，画面中势必会体现出更多的个性化表达符号，从技法到构图，再到意境，会出现太多的象征和寓意，如果欣赏者看到这样的画面，大多会似是而非，看不懂画家究竟画得是什么。这种情况就像大多数观者欣赏抽象派油画一样，如毕加索、达利、米罗等大师的作品，有几个人能看懂？

抽象艺术，如抽象派油画，狂草书法，当代艺术，等等，纯粹是表达艺术家个人的喜怒哀乐，以及对生命意识的独特理解，欣赏者如果达不到艺术家的审美高度和理解能力，欣赏这类艺术，就如同看天书，只会看到线条和色彩的狂舞，看不到隐藏在这些符号背后的艺术魅力。

因此，过于感性的绘画，是不适合普通大众欣赏的。

反过来，过于理性的绘画，同样不是好作品。为什么这样讲？是因为绘画是对现实生活的提炼和概括，而不是对现实生活的描摹和复制。画家从酝酿、构思再到创作，都凝住了自己的感情元素，感情元素是触动欣赏者心弦的关键所在。

如果画家不给绘画中灌注情感，不挖掘表达对象的神韵，不美化表达对象，画出来的作品，就是冷冰冰地堆砌，是没有灵魂的，观者面对这样的作品，很难产生联想和共鸣。像千篇一律的商品画，流水线作业的绘画，之所以引不起观者的兴趣，根本原因是这些画在创作中太理性了，不是独一无二的，有相同的笔法，相同的构图，相同的色彩，观者看多了，自然就审美疲劳了。